Lo stile Gustaviano o Shabby Chic

 Gustavo III re di Svezia, sovrano colto dalla personalità complessa, amante dell'arte e di gusto raffinato. Reduce da un breve viaggio in Francia torna in patria per salire al trono nel 1772 .

Ispirato dall'architettura e dalle arti decorative francesi, dà vita allo stile neoclassico svedese che porta il suo nome: "Gustaviano" dando un nuovo volto a Stoccolma definita la "Parigi del Nord".

Lo stile gustaviano è la rielaborazione, semplificata al gusto nordico, del rococò e del neoclassicismo. Prevalgono in esso  i colori dai toni chiari. Tipici dello stile gustaviano sono i bianchi, i grigi, l'ocra gialla e l'azzurro ma anche il verde salvia, il rosa, l’avorio e non mancano le dorature che ai tempi di Gustavo III si trovavano solo nei palazzi reali e nelle dimore dell'aristocrazia. I mobili sono di forme austere e sobrie, rispettano simmetrie e linearità tipicamente neoclassiche, hanno finitura opaca ed effetto invecchiato quindi shabby/decapè. Alla semplicità dell'arredamento si contrapponeva, all'epoca, la ricchezza delle decorazioni alle pareti e dei complementi mantenendo comunque la raffinatezza e la sobrietà tipiche dello stile.

Ed ecco alcune rielaborazioni contemporanee di questo stile

Foto di Marzia Sofia Salvestrini

Le famose tonalità pastello sono, insieme al bianco, quelle dominanti in questo stile che si presta a rielaborazioni nelle linee essenziali dell'arredamento anche più semplice o più rigoroso.

Arredamenti e gioielli in stile Liberty

L'Art Nouveau nel design d'interni riprese alcune caratteristiche dello stile Rococò, come le decorazioni a fiamma e a conchiglia, al posto dei classici ornamenti naturalistici vittoriani. Prediligevano invece la Natura per fonte di ispirazione ma ne stilizzarono evidentemente gli elementi e ampliarono tale repertorio con l'aggiunta di fiori, foglie e fili d'erba. Qui sotto possiamo osservare alcuni tipici salotti in stile Liberty.






 

Altro fattore di grande importanza è che l'Art Nouveau non rinnegò l'uso dei macchinari come accadde in altri movimenti contemporanei, come quello di Arts & Crafts, ma vennero usati e integrati nella creazione dell'opera. In termini di materiali adoperati la fonte primaria furono certamente il vetro e il ferro battuto, portando ad una vera e propria forma di scultura e architettura.

La lavorazione del vetro fu un campo in cui questo stile trovò una libera e grandiosa forma espressiva— per esempio, i lavori di Louis Comfort Tiffany a New York o di Émile Gallé e ifratelli Daum a Nancy in Francia.

 

 

In gioielleria l'Art Nouveau ne rivitalizzò l'arte, con la natura come principale fonte di ispirazione, arricchita dai nuovi livelli di virtuosismo nella smaltatura e nell'introduzione di nuovi materiali, come opali o pietre semipreziose. L'aperto interesse per l'arte giapponese e l'ancora più specializzato entusiasmo per la loro abilità nella lavorazione dei metalli, promosse nuove tematiche e approcci agli ornamenti. Per i primi due secoli l'accento fu posto sulle gemme, specialmente sul diamante, e il gioielliere o l'orafo si occupavano principalmente di incastonare pietre, per un loro vantaggio puramente economico. Ma ora stava nascendo un tipo di gioielleria completamente differente, motivato più da un'artista-designer che da un gioielliere in sola qualità di incastonatore di pietre preziose.

 

 

 

 

Furono i gioiellieri di Parigi e Bruxelles che crearono e definirono l'Art Nouveau in gioielleria, e fu in queste città che vennero creati gli esempi più rinomati. La critica francese dell'epoca fu concorde nell'affermare che la gioielleria stava attraversando una fase di trasformazione radicale, e che il disegnatore di gioielli francese René Lalique ne era il fulcro. Lalique glorificò la natura nella sua arte, estendendone il repertorio per includere nuovi aspetti— libellule o erba—, inspirati dall'incontro tra la sua intelligenza e l'arte giapponese.

I gioiellieri si dimostrarono molto acuti nel richiamarsi con il nuovo stile ad una nobile tradizione guardando indietro, al Rinascimento, con i suoi monili in oro lavorato e smaltato, e la visione del gioielliere come artista prima che artigiano. Nella maggior parte delle opere di quel periodo le pietre preziose retrocessero in un secondo piano. I diamanti furono per lo più utilizzati con un ruolo secondario, accostati a materiali meno noti come il vetro, l'avorio e il corno.