Guida allo stile: le camicie.

In recent years, the shirt has gradually assumed its rightful place in men’s wardrobes.

In this guide we will address the different shirt styles, including fit, shirt components, suitability to attires and/or occasions and more important, which ones belong in your collection as essentials and those you should stay away from.

The Proper Fit of a Shirt

Arguably the most striking feature of a shirt, fit is one of the most influential traits in defining style. Simply put, it’s inconceivable to address style if the shirt is ill-fitting, so make sure to follow our previous recommendations on attaining a proper fit.

FIT- classic fit

The Classic Fit

Perpetuating the original essence of the shirt, the classic fit aims to maintain the traditional tailoring silhouette, allowing a comfortable feel with a boxier shape. It provides great mobility and features two vents on the back, usually located near the yoke. This is the go-to choice for those with a more classic style who favor comfort over fashion.

FIT – slim fit

Slim Fit

A step forth towards a more fashionable approach, the slim fit has been gaining adepts and recognition with a younger audience, more self conscious about their image and aiming to portray a trendier look.

Accentuated back darts and a higher armhole stance allow for a shaped look that sits closer to the body, without being skin tight; although it’s commonly associated with casual or fashion shirts, an appropriate choice of fabric may allow for more formal alternatives as well. Bear in mind that depending on your body type, this fit might pose some issues as it’s more appropriate for slim individuals, so if you’re on the bulkier side you might want to skip this one — otherwise, go for a stretch fabric to ensure the best fit and comfort.

FIT – modern fit

The Modern/Contemporary Fit

Probably the most popular alternative on the list, this fit represents the evolution of the shirt pattern to reflect (as the name states), a more contemporary feel. This option sits in between the classic and the slim fit, providing the best of both worlds in what regards comfort and style. A slightly tapered silhouette on the waist, usually making use of small back darts, ensures the success of this much sought all rounder.

FIT- extra slim fit

Super Slim/Skinny Fit

In my opinion, unless you have a very particular body type that justifies it, super skinny fits should be avoided all together. Skintight shirts are not a flattering alternative for anyone and feel a bit like sailing into uncharted waters – just stay away from them. In this case, not even stretch can save you from looking like you’re about to burst and can hardly move or breathe.

The Shirt Body

Moving on to the shirt’s body and components, it is virtually impossible to cover each and every alternative, so I’ll try to address the most important elements and their commonly found variations. It’s important to keep in mind that the subject of style is very personal and dependent on one’s taste, and as such, this article is meant to work as a guide, a reference of how different variations influence the way a shirt is perceived.

Whether you’re looking for ready-to-wear alternatives or having a bespoke shirt made especially for you, these guidelines apply to most cases where the shirt’s original essence is kept in mind.

Shirt Front

FRONT – plain front

When it comes to fronts, leaving plackets aside, most shirts feature a plain front without any additional elements other than chest pockets. While classic dress shirts may feature a chest pocket for functional aspects, I would advise leaving other options to more casual alternatives; two chest pockets should be kept strictly for relaxed alternatives such as safari, military or western shirts.

However, if you’re considering a shirt for an event with a certain formality, be it black-tie or a wedding, it is usual for shirts to present a bib-like contrast in the front. This so-called “tuxedo shirt” is not meant for everyday wear and should be saved for the occasion. The contrasting fabrics on the bib are usually heavier and feature a pleated or pique effect. This type of detailed front, when taken out of the original context, has also enabled designers to create bold statement pieces making use of contrasting elements of both color and pattern.

PLACKET – Fly front

PLACKET – french placket

PLACKET – traditional placket

Shirt Placket

One of the main elements of the shirt’s front, the placket automatically draws attention to itself due to the closure alternatives and button location, especially if the latter are contrasting or made of an exquisite material, like mother of pearl. From formal to casual, there are three traditional placket versions which have then suffered variations to reflect more unique takes.

Traditional Placket – also known as the “American placket” due to the strong influence and representation of American style, this is the most conventional style of all. Consisting of a separated piece of fabric attached to the shirt front, either by being folded or stitched, this version allows for added stability and a symmetrical aesthetic. This type of placket is still found on classic dress shirts, although it portrays a somewhat dated aesthetic and is now commonly found on more casual interpretations such as oxford cloth button downs. Both on traditional and French plackets, the shirt buttons are visible, making them an important element to be taken into account.

The 3/4 Placket – a variation on the above mentioned, this version has a shorter length, ending before the last button and usually in a pointed shape. It is commonly seen on more relaxed shirts or popovers, adding an interesting visual appeal to an otherwise common placket.

The French Placket – a more polished alternative than the traditional, the French placket is achieved by folding the fabric over itself inwards. This technique allows a clean shirt front without any stitching, which as the name states, is associated with a more European aesthetic and the go-to choice for a “sprezzy” Italian look. The French placket is the perfect in-between alternative that easily adapts to classic, fashion or casual shirts.

The Fly Front Placket – originally associated with evening or tuxedo shirts, this placket features an extra flap of fabric which conceals the button row and provides a sharper and cleaner looking shirt than all of the above alternatives. As with so many other components, the fly front has been embraced by many designers as a minimalistic fashion statement, thus transitioning from ceremonial to fashionable

Back of the Shirt

BACK – pleat options

BACK – more options

There’s not much to be said about the back of a shirt, apart from the aforementioned pleats or darts, which are not merely aesthetic but help dictate the shirt’s the fit and silhouette. Shoulder or center back pleats have more of an aesthetic than functional effect, as they usually do not translate into considerable alterations on the shape of the shirt. Back darts, however, depending on their width, can produce a pronounced cinched effect on the waist that makes it slimmer and more contemporary. As with most details on the shirt, it all comes down to personal taste, although achieving a slim silhouette without resorting to back pleats might not be the easiest of tasks.

There are two other details on a shirt’s back that may be worth mentioning: the split back yoke can elevate the shirt to a higher standard, especially if we consider striped patterns and a perfect 45-degree angle; the other, the hanger loop, a small strap of fabric stitched on the back yoke, is a trademark of Americana style and commonly found on casual oxford button downs where its original function was to hang the shirt.

Collar Options

COLLARS – classic collar

COLLARS – tall button down collar

COLLAR – Classic Spread

COLLAR – pin collar with rounded corners

One of the most style-defining elements on any shirt, collars have evolved into a plethora of options that is almost absurd, to the point where some models are named after the combination of 3 or 4 previous versions: “extreme-cutaway-hidden-button-down” anyone? What used to consist of a “simple” choice of length and tie gap, has now been made much more complex due to an ever-growing selection that seems to bring to life every possible option in the book (especially when it comes to made-to-measure). Add to that the variety of available interlinings, both fused and non-fused, and we end up with a variety of current offerings which is virtually unlimited.

While I can understand that a brand may want to portray a trademark collar as a means of differentiation within the market, the result of accommodating consumers’ demands and designers’ creativity has made choosing a collar an overwhelming task for many men. However, and as experience has proven time and time again, quantity is not quality and as far as I’m concerned, one can build a consistent and complete wardrobe while making use of only 7 essential models: spread, button-down, club, classic, tuxedo, Mao and the small collar.

COLLARS – classic collar variations

Of course, there are numerous variations in size and shape to all these collars and while some people prefer to have the exact collar style for all their shirts, others want to mix it up and choose different collars for different occasions. Time has shown that classic collars are neither huge nor tiny so if you want to invest in a timeless wardrobe, don’t fall for the super spread collar and go with a semi spread, or just take a regular button down rather than a small one. At the same time, if you already have 100 shirts in your closet and you want something else, go and experiment by all means. On bespoke shirts, you should always have the option to determine the size of the collar no matter what style you choose. That alone will offer you so many variations that there is a sheer endless number of collar styles.

COLLARS – Various Models

COLLARS – variations

COLLARS – collar pins & unusual collars

The basic collars are:

1. Spread collar – by far the most popular contemporary model and a go-to choice for both casual and classic shirts. The beauty of it relies in the versatility, working perfectly with or without a tie;
2. Button-down collar – apart from a couple of exceptions, all my oxford shirts feature a button-down collar. Traditionally not really worn with ties, many men now combine it with a tie — it’s all up to you;
3. Classic collar – the timeless pointed collar with the right tie gap is mandatory in every man’s wardrobe;
4. Club collar – a revivalist model with rounded corners that picks up the Mad Men/Boardwalk Empire aesthetic. A different spread can create a very different look and it looks great with a collar pin. You can buy them here;
5. Small collar – a smaller and more modern approach to the classic collar, this model seamlessly works with a variety of shirts from denim to oxfords and even contemporary classics, but it is often difficult to wear it with a tie or bow tie;
6. Evening collar – Traditionally, evening collars were detachable, starched and stiff. Today, most tuxedo shirts feature an attached wing collar that is often too small and floppy. Either wear a turn-down collar with your tuxedo or go with a real detachable collar; for white tie, only wear a detachable collar;
7. Mao collar – this standup collar is usually only worn in combination with a Nehru jacket, often by conductors or artists.

CUFFS – classic french cuff

CUFFS – rounded french

CUFFS – neapolitan cuff / James Bond cuff

Shirt Cuff Styles

When it comes to cuffs, the main decision is whether to go for a barrel or French cuff. Traditionally, French cuffs are dressier and more formal, allowing men to sport one of the quintessential pieces of jewelry in men’s style: cufflinks. This accessory alone works as a personal statement and means of self expression, which has brought French cuffs into a more mainstream market, not exclusive to formal shirts. To top it off, Italian Sprezzatura has found in these cuffs yet another way to break conventional rules, by wearing them unfastened and often folding them over the jacket sleeve.

Barrel cuffs on the other hand, are the everyday choice for most men and the most commonly found alternative. With a variety of shapes and designs, ranging from faceted, rounded, straight, etc. up to the number of buttons, barrel cuffs provide a wide range of choices to the wearer, with a much more practical approach than their French counterparts. One critical aspect to bear in mind when considering the type of cuff to choose is its height: traditional (outdated) cuffs usually sit between 7.5/8cm, whereas contemporary classic cuffs are about 6 cm and anything less is on the more fashionable side.

CUFFS – barrel cuff faceted

CUFFS – barrel cuff with cut corners

CUFFS – single button rounded barrel cuff

CUFFS – classic single button barrel cuff

Although cuffs are a crucial component by themselves in what regards style, they maintain a close relation with collars: depending on the combinations of cuffs and collar, the outcome may be anything from fashion forward, relaxed, classic or even formal, with a thin line separating bizarre from perfection. Overall, there are probably hundreds of variations with one, two or  three buttons or a mix of cuff shapes like the James Bond Cuff.

If you wear a lot of jackets with shirts from different manufacturers or tailors, you’ll notice that the shirt sleeve length and the amount of cuff you show varies depending on the cut of the armholes of the shirt and the jacket. In order to prevent that, you can have 6 or 8 buttonholes instead of the usual 4 on a French cuff, so you can easily adjust the shirt length to the jacket. In England, they sometimes comes with 6 buttonholes by default and it can be a very useful feature indeed.

HEM – tail hem

HEM – straight hem

The Hem

The bottom hem can also say much about a shirt’s style, namely if it leans toward the more classic or relaxed end of the spectrum. A classic shirt made to be worn tucked in, say with a tie and suit, must present a tail-shaped bottom hem that allows the shirt to remain in place throughout the course of the day. Although tails have gotten shorter in recent years, the design must still ensure the functional aspect, which makes the ratio between the lower and higher ends of the tail a critical variable.

If you are looking for a casual shirt that you can wear untucked on a more relaxed occasion, straight hems are the way to go. Unlike the tail-shaped version, straight hems make the shirt much more prone to becoming untucked on its own as a result of natural body movements, so caution is advised when choosing the length: too short will result in a shirt that can’t be tucked in, whereas too long will just look ridiculous if worn untucked.

CONTRASTS – contrasting ascolite thread on classic white shirt

CONTRAST Elements – inner cuff fabric

CONTRASTS – contrast stitching

Contrasting Shirt Elements

Contrasting collar undersides, shirt plackets or cuff linings are one of those details that can make or break a shirt. For anything other than a casual shirt, they are not really suitable at all but at the end of the day it depends on your style. Use them wisely and they can elevate the shirt to a new standard, go overboard and you may end up looking clownish at best.

In my opinion, contrasts work best when used with subtlety and when not immediately visible, sitting in the background while the rest of the shirt shines, until it’s time for them to make a memorable appearance. Mind you, shirting contrasts are not only limited to fabrics: details such as buttons, buttonholes or threads, although in a much smaller scale, can have an enormous impact on the global aesthetic.

Personally, I try to keep fabric contrasts as simple as possible, sticking to the traditional alternatives such as a contrasting white collar or cuffs on a classic shirt or at most, a contrasting fabric on the inside of the cuff. Even though I’m not the biggest fan of contrasting elements on a shirt, some details such as a contrasting color on the ascolite thread or on selected buttonholes can make a world of a difference and become a personal trademark.

FRONT – bib front fashion

FRONT – pleated front detail

FRONT – double chest pockets

Conclusion

During the course of the series we’ve delved into the shirting universe, reviewing not only the different fabric options available, but also the production stages and manufacturing processes that result in a high-end shirt. Looking back at previous entries, it seems evident that the defining traits of a shirt’s style are a combination of all the elements mentioned up until now: while the particular style options listed above are crucial to the shirt’s aesthetic, the very choice of fabric (say, poplin or oxford) or type of construction (single needle or twin needle, for example) already dictate what the end result will be.

The intricacies of personal style and unconventional approaches to traditional rules, despite being the driving forces behind most changes in the #menswear panorama, also make it that much harder to define what belongs where and when. That being said, I hope that this article has been of help in establishing some of the guidelines that define a shirt’s style and hopefully provide some sound advice for your future purchases.

What styles or components do you look for when purchasing a shirt? Please let us know in the comments below.

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Cited from: The Shirt Style Guide — Gentleman's Gazette http://www.gentlemansgazette.com/the-shirt-style-guide/#ixzz2oPaDA22w

Albero genealogico dei re d'Inghilterra dai Plantageneti ai Windsor: la successione al trono delle dinastie inglesi

Dai Tudor agli Stuart



Dagli Stuart agli Hannover



Dagli Hannover ai Windsor

Margaret Pole, Contessa di Salisbury, l'ultima degli York.

Margaret Pole, contessa di Salisbury (14 agosto 1473 – 27 maggio 1541), fu una nobildonna inglese, figlia di Giorgio Plantageneto, I duca di Clarence, il fratello di Edoardo IV d'Inghilterra e Riccardo III d'Inghilterra.

Fu tra i pochi membri superstiti della dinastia dei Plantageneti dopo la Guerra delle due rose; fu giustiziata per ordine di Enrico VIII che era figlio di sua cugina Elisabetta di York. Papa Leone XIII la beatificò come martire della Chiesa cattolica il 29 dicembre 1889.

Ecco l'albero genealogico della dinastia reale inglese degli York

Vita

Lady Margaret nacque nel Castello di Farleigh Hungerford nel Somerset, figlia maggiore del 1º Duca di Clarence e di Isabella Neville, la figlia maggiore di Richard Neville, conte di Warwick e Salisbury ("Warwick the Kingmaker") e di Anne de Beauchamp, sua moglie, che ereditò la Contea di Warwick. Suo nonno era stato ucciso in comabattimento contro suo zio, Edoardo IV d'Inghilterra nella Battaglia di Barnet; suo padre era stato creato in seguito Conte di Warwick e Salisbury; egli era già Duca di Clarence. Edoardo IV aveva dichiarato che il fratello maggiore di Margaret, Edward, fosse conosciuto come Conte di Warwik per titolo di cortesia, ma nessun dignità di pari era mai stata creata per lui.^[3]

Quando ebbe tre anni, sua madre e suo fratello minore morirono, suo padre uccise due dei suoi servi che credeva li avesse avvelenati. Fu privato dei diritti civili e giustiziato per omicidio, e le sue terre e titoli confiscati. Quando ebbe dieci anni, Edoardo IV morì; lo zio Riccardo, duca di Gloucester, dichiarò che il matrimonio di Edoardo non era valido, i suoi figli illegittimi, e che Margaret e suo fratello Edoardo erano esclusi dal trono da in seguito alla privazione dei diritti civili cui era stato assoggettato il loro padre. Lo stesso Riccardo salì al trono come Riccardo III d'Inghilterra.

Riccardo III ordinò che i bambini fosse condotti al Castello di Sheriff Hutton nello Yorkshire dato che erano rivali al trono. Quando fu sconfitto da Enrico VII d'Inghilterra nella Battaglia di Bosworth nel 1485, il nuovo re sposò sua cugina Elisabetta, la figlia di Edoardo IV. Trattenne suo fratello Edward nella Torre di Londra. Edward fu brevemente mostrato in pubblico nella Cattedrale di St Paul's nel 1487 in risposta alla presentazione dell'impostore Lambert Simnel come il 'Conte di Warwick' ai lords irlandesi. Poco dopo, probabilmente nel mese di novembre 1487, Enrico VII diede Margaret in sposa a suo cugino, Sir Richard Pole, la cui madre era sorellastra della madre del Re, Lady Margaret Beaufort, il che avrebbe reso più difficile per i cospiratori usarla come polena. Quando Perkin Warbeck si spacciò per il cugino Edoardo V nel 1499, suo fratello Edward fu privato dei diritti civili e giustiziato per il coinvolgimento nel complotto.

Sir Richard Pole detenne una serie di uffici nel governo di Enrico VII, il più alto fu come ciambellano di Arturo, principe di Galles, figlio maggiore di Enrico. Quando Arturo sposò Caterina d'Aragona, Margaret Pole divenne una delle sue dame di compagnia, ma il suo entourage fu sciolto quando Arturo morì nel 1502, durante l'adolescenza.

Quando il marito morì nel 1504, Margaret Pole divenne vedova con cinque figli, una quantità limitata di terreno ereditato da suo marito, senza stipendio e nessuna prospettiva; Enrico VII pagò per il funerale di Sir Richard. Per facilitare la situazione, Lady Pole destinò il suo terzogenito,Reginald Pole, alla Chiesa, dove avrebbe fatto una carriera ricca di eventi: ambasciatore pontificio, arcivescovo di Canterbury, fu accanto a Maria I d'Inghilterra nel suo tentativo di restaurazione della religione cattolica.^[4].

Contessa di Salisbury

Stemma di Margaret, contessa di Salisbury.

Quando Enrico VIII salì al trono nel 1509 sposò egli stesso Caterina d'Aragona; Lady Pole fu di nuovo nominata sua dama di compagnia. Nel 1512 il Parlamento la restaurò nelle proprietà di suo fratello, cioè i terreni di Warwick e Salisbury che erano stati di suo nonno. Enrico VII li aveva governati, prima durante la minore età di suo fratello e poi durante la sua prigionia e li aveva poi confiscati dopo il suo processo; lo stesso Atto la restaurava nella Contea di Salisbury. Lady Pole gestì bene le sue proprietà; nel 1538 era il quinto pari più ricco d'Inghilterra. Fu patrona del new learning come molti aristocratici del Rinascimento; Gentian Hervetus tradusse in inglese de immensa misericordia Dei (La grande misericordia di Dio) di Erasmo da Rotterdam per lei.

Il suo primogenito Henry Pole fu creato Barone di Montacute un altro dei titoli appartenenti ai Neville; si fece portavoce per la famiglia alla Camera dei Lords. I suo secondogenito, Arthur, ebbe in genere una carriera di successo come cortigiano, divenendo uno dei sei Gentiluomini della camera privata; ebbe una battuta d'arresto quando il suo protettore Edward Stafford, III duca di Buckingham fu condannato per tradimento nel 1521, ma fu presto restaurato per benevolenza. Morì giovane intorno al 1526, avendo sposato l'erede di Sir Roger Lewknor; la contessa e lord Montagu insistettero con la sua vedova perché facesse voto di castità perpetua in modo da conservare la sua eredità per i suoi figli Pole. Sua figlia Ursula aveva sposato il figlio del duca di Buckingham, Edward Stafford, ma dopo la caduta del duca, alla coppia furono date solo alcune briciole dei suoi possedimenti. La contessa allevò le sue nipoti Stafford.

Il suo terzogenito, Reginald Pole studiò all'estero a Padova, fu ambasciatore di Enrico VIII a Parigi nel 1529.

Dopo la nascita della principessa Maria, in seguito regina come Maria I, Lady Salisbury divenne sua madrina e garante per la cresima e fu successivamente nominata governante di Maria e della sua casa. Col passare degli anni si parlò di un matrimonio tra Maria e il figlio di Lady Salisbury, Reginald, che non fu ordinato sacerdote fino a poco prima di diventare arcivescovo nel 1556. Tuttavia, quando si cominciò a parlare di divorzio del re da Caterina d'Aragona, Reginald Pole coraggiosamente espresse la sua opinione nella vicenda e lasciò l'Inghilterra poco dopo. Maria era ancora affidata alle cure di Lady Salisbury, quando Enrico sposò Anna Bolena, ma quando contrastò i suoi sforzi di averla trattata come illegittima, rimosse Lady Salisbury dal suo incarico, anche se ella implorò di poter seguire e servire Maria a sue proprio spese. Tornò a corte dopo la caduta di Anna tranne nel 1530, Reginald Pole inviò a re Enrico una copia del suo trattato pubblicato Pro ecclesiasticae unitatis defensione, in risposta ai quesiti postigli a nome del Re da Thomas Cromwell, Cuthbert Tunstall, Thomas Starkey e altri. Oltre ad essere una risposta ai quesiti teologici, il libro era una denuncia delle politiche del re. Re Enrico fu furibondo e, nonostante Lady Salisbury e suo figlio maggiore scrissero un rimprovero a Reginald, fu determinante che la famiglia avrebbe pagato per l'insulto.

Reclusione e morte

Esecuzione

Rifiutò fino alla fine di riconoscersi colpevole di tradimento. Il testo seguente è stato trovato scolpito sulla parete della sua cella:

For traitors on the block should die;

I am no traitor, no, not I!

My faithfulness stands fast and so,

Towards the block I shall not go!

Nor make one step, as you shall see;

Christ in Thy Mercy, save Thou me!

La mattina del 27 maggio 1541 (alcune fonti dicono 28 maggio), Lady Salisbury venne a sapere che la sua esecuzione avrebbe avuto luogo entro un'ora. Lei rispose che nessun delitto le era stato imputato, tuttavia, venne tolta dalla sua cella e portata sul posto, nei parametri della Torre di Londra, dove un blocco di legno era stato preparato. Essendo nobile di nascita, l'esecuzione non venne eseguita davanti all'intera popolazione, ma vi furono comunque circa 150 testimoni.

Fu giustiziata con una barbarie spaventosa. Secondo alcune fonti, Lady Salisbury, che aveva 67 anni, si presume che fosse fragile e malata e si dice sia stata "trascinata" verso il ceppo, davanti al quale rifiutò di porre la testa, finendo con l'essere costretta. Mentre si dibatteva, l'inespertoboia sbagliò più volte, colpendola sulla spalla piuttosto che sul collo. Per completare l'esecuzione furono necessari più di dieci colpi. A seconda delle voci invece si ritiene che dopo il primo colpo maldestro essa fosse poi scappata, inseguita dal boia che per completare il suo lavoro le inferì undici colpi. Fu sepolta nella cappella di San Pietro ad Vincula all'interno della Torre di Londra.

Eredità

Suo figlio, Reginald Pole, disse che non avrebbe "... mai avuto paura di farsi chiamare figlio di una martire". In seguito è stata onorata dai cattolici e in quanto tale fu beatificata nel 1886 da Papa Leone XIII.^[7]

Figli

Dal matrimonio con Sir Richard Pole nacquero cinque figli:

• Henry Pole, I barone Montagu (c.1492 - 9 gennaio 1539) famoso per il processo ad Anna Bolena; sposò Jane Neville
• Reginald Pole (c.1500 - 17 novembre 1558) cardinale, ambasciatore papale in varie regione ed infine Arcivescovo di Canterbury per la Chiesa Cattolica
• Sir Geoffrey Pole (c. 1501 - 1558),
• Arthur Pole (c. 1502 - 1535)
• Lady Ursula Pole (c. 1504 - 12 agosto 1570), sposò Henry Stafford, I Barone Stafford

Il principe Harry con la barba e il bacio di Kate ad Elisabetta

Giungono altre foto della famiglia reale inglese in occasione della rituale messa natalizia a Sandringham.
Il principe Harry appare particolarmente brutto con la nuova barba color carota.
Cate bacia la regina, un gesto inusuale in pubblico (a dire il vero mai visto, nessuno in pubblico ha mai baciato la regina!).

Katherine Swynford, Duchessa di Lancaster e progenitrice dei Tudor.

Katherine Swynford, nata de Roet (1350 – Lincoln, 10 maggio 1403), era la figlia di Payne De Roet, un araldo fiammingo proveniente da Hainaut, nominato cavaliere poco prima della sua morte sul campo di battaglia.

Fu la terza moglie del principe reale inglese Giovanni di Gand, primo Duca di Lancaster.

Dall'unione di John e Katherine discese Margherita Beaufort, madre di Enrico VII Tudor, fondatore della dinastia che regnò in Inghilterra tra il 1485 e il 1603. 
Ecco l'albero genealogico dei Lancaster e dei Tudor.

Su di lei è stato scritto il romanzo "Katherine" di Anya Seton è stato ristampato ed è attualmente nelle librerie.
Questo romanzo è stato una delle fonti di ispirazione di G.R.R. Martin, autore delle Cronache del ghiaccio e del fuoco, in particolare per il romanzo "Il trono di spade" ("Game of Thrones").

Vita di Katherine Swynford

Fu educata in un convento a Romsey. Lasciò il convento quando aveva quindici anni e raggiunse la sorella Philippa, che faceva parte del seguito della regina Filippa di Hainaut, alla corte del re Enrico III d'Inghilterra. Katherine era molto bella e riuscì per questo a contrarre un matrimonio vantaggioso. Infatti attorno al 1366, all'età di sedici anni, Katherine sposò il cavaliere inglese Hugh Swynford (1340-1372), che possedeva il maniero di Kettlethorpe, nel Lincolnshire e faceva parte del seguito di Giovanni di Gand.
Katherine diede al marito almeno due figli, Thomas (1368-1432) e Blanche (nata nel 1370), ma è probabile che anche Margaret Swynford (nata nel 1369), poi entrata nel prestigioso convento noto come Barking Abbey, fosse loro figlia.
Katherine venne nominata governante delle due figlie di Giovanni di Gand (sorelle del futuro re Enrico IV) e della sua prima moglie Bianca di Lancaster.



Philippa Roet, sorella di Katherine, sposò il poeta Geoffrey Chaucer, che in occasione della morte di Bianca di Lancaster a causa della peste nel 1369 scrisse il poema Il Libro della Duchessa (The Book of the Duchess).
Poco dopo la morte di Bianca, Katherine divenne l'amante di Giovanni, che la ricompensò per le cure prestate alla moglie e alle figlie concedendole uno stemma, rosso con tre route dorate (Roet significa appunto ruota).
Nel 1371, mentre svolgeva il suo compito di soldato in Francia, morì Hugh Swynford, il marito di Katherine. Secondo le dicerie popolari fu avvelenato da Giovanni di Gand, ma tali voci non hanno alcun fondamento storico.
Nello stesso anno Giovanni si risposò con Costanza di Castiglia (figlia del re Pietro I di Castiglia).
Katherine diede a Giovanni quattro figli, e divenne nel 1373 la sua amante ufficiale. Intorno al 1381 la relazione si interruppe, e non si è a conoscenza del motivo. L'ipotesi più accreditata è che la pressione dell'opinione pubblica attorno a questa relazione adultera. Giovanni era diventando infatti l'uomo più potente del regno, essendo zio, tutore e reggente per il nuovo re Riccardo II, salito al trono ad appena 10 anni. La vita di Giovanni era sotto gli occhi di tutti.
Katherine tornò a Kettlethorpe coi quattro figli avuti da Giovanni, chiamati da tutti i Bastardi Beaufort (dal nome di un possedimento di Giovanni in Francia). Ci si può rendere conto di come fosse vista Katherine dalle parole di alcuni cronisti delle abbazie di Saint Albans e Saint Mary che la definirono "a witch and a whore" (una strega e una meretrice) e "devil and enchantress" (demonio e incantatrice).
Nel 1394 Costanza di Castiglia morì. Giovanni decise di sposare la sua ex amante. Il matrimonio avvenne il 13 gennaio 1396 nella cattedrale di Lincoln. I Beaufort furono legittimati, a condizione che nessuno di loro rivendicasse il trono d'Inghilterra.
Dopo tre anni dal matrimonio Giovanni morì, e Katherine gli sopravvisse per quattro anni come Duchessa vedova di Lancaster.
Morì il 10 maggio 1403 e fu sempolta nella Cattedrale di Lincoln. I suoi resti non si trovano più in questo luogo poiché la tomba fu devastata nel 1644, durante la guerra civile inglese.

Discendenza

Da Hugh Swynford:

• Thomas Swynford (1368-1432)
• ? Margaret Swynford (1369-?)
• Blanche Swynford (1370-?)

Da Giovanni di Gand, duca di Lancaster:

• Giovanni Beaufort, I conte di Somerset (1371/73-1410)
• Cardinale Henry Beaufort (1375-1447)
• Thomas Beaufort, 1º Duca di Exeter (1377-1426)
• Joan Beaufort, Contessa di Westmorland (1379-1440)

Giovanni Beaufort, I conte di Somerset fu il bisnonno di Enrico VII d'Inghilterra e nonno di Giacomo II di Scozia.
Joan fu la nonna di Enrico IV e Riccardo III, che Enrico VII sconfisse per impadronirsi del trono.

Da Katherine, una donna di origini relativamente modeste, discesero quindi i Tudor.

Foto di Natale della regina Elisabetta

Dalla residenza di Sandringham, Elisabetta II ha divulgato tramite il profilo FB "The Royal Family" la foto di Natale di quest'anno. Notiamo che tra le consuete foto dei suoi genitori è comparsa al centro una foto di quest'anno con il figlio Carlo, principe di Galles, il nipote William, duca di Cambridge e il pronipote, principe George, nato a luglio.
L'altra foto riguarda l'immancabile messa di Natale nella chiesa di Sandringham.

Dies Natalis Solis Invicti: l'origine pagana delle festività natalizie, dal solstizio d'inverno al 25 dicembre.

La ricorrenza del solstizio d'inverno aveva nell’antichità un valore simbolico fortissimo, ormai pressoché perduto nelle moderne società, dove sopravvivono solo usanze inconsapevolmente tramandate ed adattate nel corso dei secoli.

Toccando il punto più basso dell’ellisse compiuta dalla terra nel suo movimento di rivoluzione, il sole dà visivamente l’impressione di sprofondare, di tramontare per non ricomparire più: siamo in effetti nel giorno più corto dell’anno. Ma poi, quasi per miracolo, il sole risale nella volta celeste, tornando vittorioso a risplendere.

Questa straordinaria manifestazione astronomica veniva ritualizzata dalle antiche popolazioni indoeuropee, che vi associavano significati simbolici ultrasensibili, come d’altronde avveniva per tutti i fenomeni naturali in genere: questi, infatti, non venivano presi in considerazione e sacralizzati nel loro aspetto puramente esteriore, ma in quanto teofanie, per cui il Logos Divino, pur lontano e perduto dall’uomo rispetto all’aurea unità dei primordi, tornava a manifestarsi, con i necessari adattamenti, mediante modalità allegoriche ed in forme tangibili e materiali. La corretta interpretazione di queste forme consentiva pertanto di risalire verso l’alto, di tornare, seppure in modo imperfetto, in contatto con la divinità. 

Attraverso la comprensione dei più reconditi significati dei fenomeni naturali ed esteriori in genere si poteva dunque percepire la presenza di un ordine superiore, invisibile ed immutabile. In questo modo, l’Essere si manifestava nel Divenire, nobilitando quest’ultimo ed attribuendogli un ruolo ed una funzione che non fosse soltanto connessa alle meccaniche materialistiche, come invece avviene, inevitabilmente, nelle attuali società “solidificate”, dove l’occhio umano non riesce a penetrare il guscio formale e sensibile della materia e del divenire, accecato dalle derive razionalistiche e scientistiche.

E così, il fenomeno solstiziale invernale, cui si ricollegarono simbologie connesse alla luce ed al sole che risorge invincibile dagli abissi, richiamava l’idea superiore della rinascita luminosa dalla caduta nelle tenebre, del chiudersi di una fase e dello schiudersi di un nuovo ciclo, della catartica rigenerazione dopo la caduta. Come ricorda Julius Evola, “nel simbolismo primordiale il segno del sole come ‘Vita’, ‘Luce delle Terre’, è anche il segno dell’Uomo. E come nel suo corso annuale il sole muore e rinasce, così anche l’Uomo ha il suo ‘anno’, muore e risorge. Questo stesso significato fu suggerito, nelle origini, dal solstizio d’inverno, a conferirgli il carattere di un ‘mistero’ ” .

Al solstizio d’inverno furono pertanto riagganciate ulteriori manifestazioni simboliche e feste rituali: al “rinascere” del sole si associò il simbolismo dell’albero sempreverde, ad indicare la resurrezione della Luce, o, come sottolineato da Evola, “albero della vita”, che sorge innestando le proprie radici nell’abisso, nonché il simbolismo dell’“Uomo cosmico” con le “braccia alzate”, ulteriore simbolo di rinascita, tradotto d’altronde anche nella runa Algiz. La stessa usanza nordica di accendere sul tradizionale albero delle candele nel giorno in cui cadeva il Solstizio d’inverno riporta all’idea della rinascita e del ritorno vittorioso della luce sulla tenebra.

Così i doni che il Natale porta ai bambini, come ci dice ancoraEvola, “costituiscono un’eco remota, un residuo morenico: l’idea primordiale era il dono di luce e di vita che il Sole nuovo, Il ‘Figlio’, dà agli uomini. Dono da intendersi sia in senso materiale che in senso spirituale”.

L’odierno albero natalizio e lo scambio di regali (peraltro ormai degenerato nel consumismo più sfrenato ed indecente, senza più alcuna valenza neppure lontanamente simbolica o spirituale) sono pertanto una formale reminiscenza di tale originario significato.

Interessanti osservazioni possono farsi osservando quanto accadeva nel mondo romano in questo periodo particolare dell’anno. I Saturnalia, che si svolgevano approssimativamente dalla metà fino al 25-27 dicembre e che si manifestavano in termini di un disordine rituale temporaneo, in vista di una solenne restaurazione ed esaltazione (per contrasto col rovesciamento precedente) dell’ordine permanente, assoluto ed immutabile perché di derivazione trascendente, si ricollegavano al suddetto significato di chiusura e riapertura di un ciclo. A partire da un certo periodo, i Saturnalia si concludevano inoltre con la festa del dies natalis Solis Invicti, connessa all’introduzione a Roma del culto del Sol Invictus. Non è un caso, tra l’altro, che in origine il solstizio d’inverno coincidesse con l’inizio del nuovo anno.

Più precisamente fu l’imperatore Aureliano, dopo la vittoria sulla regina Zenobia a seguito del provvidenziale aiuto della città-stato di Emesa, dove era ampiamente diffuso il culto del dio Sol Invictus, a trasferire a Roma i sacerdoti di questa divinità, ufficializzandone il culto solare e consacrando sulle pendici del Quirinale un tempio al dio proprio il 25 dicembre dell’anno 274, che prese appunto il nome di dies natalis Solis Invicti, “giorno di nascita del Sole Invitto”. In questo modo, il dio-sole divenne la principale divinità romana del periodo imperiale e lo stesso imperatore indossò una corona a raggi (3). Al di là dei motivi di gratitudine personale, l’adozione del culto del Sol Invictus fu comunque vista da Aureliano come un forte elemento di coesione dato che, in varie forme, il culto del Sole era presente in tutte le regioni dell’impero.

In tutto ciò indubbiamente pesò anche l’influenza dell’antica tradizione indo-iranica, attraverso il mithraismo, che per un certo periodo si disputò col Cristianesimo il dominio spirituale dell’Occidente. Per quanto il Sol Invictus di Aureliano non fosse ufficialmente identificato con Mitra, le somiglianze erano molteplici, compresa l’iconografia del dio rappresentato come un giovane senza barba: non si dimentichi d’altronde che l’elemento solare era fondamentale nel culto mithraico.

Anche l’imperatore Costantino fu inizialmente un cultore del Dio Sole, in qualità di Pontifex Maximus dei Romani; raffigurò il Sol Invictus sulla sua monetazione ufficiale, con l’iscrizione “soli invicto comiti”, e con un decreto del 321 stabilì che il primo giorno della settimana, il giorno del Sole, dies solis, dovesse essere dedicato al riposo. 

Abbracciata poi la fede cristiana (vicenda sui cui reali contorni, com’è noto, si è molto polemizzato), dopo il celebre editto del 313, nel 330 Costantino decretò per la prima volta il festeggiamento cristiano della natività di Gesù, che fu fatta coincidere con la festività della nascita di Sol Invictus. Successivamente, nel 337, papa Giulio I ufficializzò la data del Natale da parte della Chiesa Cristiana. La religione del Sol Invictus continuò peraltro ad essere fortemente sentita fino al celebre editto di Tessalonica di Teodosio I del 380, in cui l’imperatore stabiliva che l’unicareligione di stato era il Cristianesimo di Nicea, bandendo di fatto ogni altro culto. Giustiniano, con la chiusura dell’ultimo tempio in onore di Iside in Egitto nel 536, diede il definitivo via libera all’affermazione del Natale cristiano in tutto l’Impero Romano.

E’ importante a questo punto fare una precisazione. Gli elementi appena esposti, unitamente ad altre informazioni piuttosto note sulle analogie tra la nascita di Cristo e quella di altri personaggi divini o semi-divini appartenenti a tradizioni pre-cristiane o comunque estranee all’ambito culturale e storico del Cristianesimo (per le quali si rinvia anche a quanto osservato nelle note del presente articolo), vengono frequentemente considerati, in ambienti atei, agnostici, laici e razionalisti, ma anche in ambienti cosiddetti neo-pagani o comunque facenti capo ad alcune destre tradizionaliste, come prova lampante della falsità del Cristianesimo, che avrebbe illegittimamente spodestato le religioni “pagane” ad esso anteriori, riprendendone ed adattandone ad arte le festività, i simboli, le divinità.

In realtà, al di là di quelli che sono stati e sono i rapporti ufficiali tra culti pre-cristiani e Cristianesimo, e tra gli strenui difensori dell’una o dell’altra visione, in un’ottica che si riallacci correttamente all’unità trascendente di tutte le religioni pure e regolari manifestatesi nella storia, considerate nei rispettivi limiti temporali e spaziali e secondo le loro specifiche funzioni nel ciclo di spettanza, è necessario rintracciare il minimo comun denominatore che riconduce alla comune origine tutte queste ierofanie.

Di fatto, accennando soltanto ad una questione di portata talmente ampia da richiedere una trattazione a sé stante, il Cristianesimo ha riassorbito e rimodulato simboli, rituali e ricorrenze spirituali antecedenti alla propria diffusione, e ciò, indipendentemente da come sia avvenuto su un piano meramente pratico e fattivo, è stato funzionale alla propria finalità ultima: nel momento in cui le tradizioni precedenti avevano esaurito la loro forza propulsiva, essendo giunte ad un livello di degenerescenza estremo che faceva presagire la fine del loro ciclo di esistenza, si manifestò il Cristianesimo, quale ultima e definitiva ierofania, perlomeno in Occidente, che riunificò e portò a compimento quanto di regolare e puro s’era manifestato precedentemente, mantenendo la tradizione occidentale nell’unica forma ormai possibile – nell’ottica di un inevitabile processo di decadenza sotteso alla dottrina delle quattro età dell’umanità – cioè quella soteriologica ed essoterica. Le forme iniziatiche ed esoteriche sono state adattate e compresse in un piano necessariamente più ristretto, conformemente alle caratteristiche dell’epoca in cui il Cristianesimo ha cominciato a manifestarsi, ma comunque esistente, perché ogni culto regolare deve articolarsi in entrambi i domini, per quanto essi si palesino in modo differente a seconda della struttura causale della religione di riferimento, nonché delle fasi del ciclo cosmico (e del relativo livello di decadenza dell’umanità) in cui essa stessa si manifesta.

Fatta questa premessa, si può facilmente convenire sul fatto che la contrapposizione tra luce e tenebra è un tema ricorrente in tutte le grandi Tradizioni, e che d’altronde il sole è una deisimboli ancestrali o archetipi collettivi più conosciuti ed antichi del mondo.

Così è stato anche nel Cristianesimo, dove, con riferimento alla figura del Cristo risorto e vincitore sulle tenebre del male e della morte, hanno trovato definitivo compimento le prefigurazioni ed i simbolismi luminosi e solari già presenti nel Vecchio Testamento e poi nei Vangeli.

L’identificazione di Gesù con il sole preannunciato da Malachia è implicita già nel primo capitolo del Vangelo di Luca (78-79), in cui Zaccaria, quando preannuncia che Giovanni Battista andrà “dinanzi al Signore a preparargli la via”, profetizza che “verrà a visitarci dall’alto un sole che sorge per rischiarare quelli che stanno nelle tenebre e nell’ombra della morte”; nel capitolo successivo (2, 32) Gesù è presentato come “luce per illuminare le genti”. In Giovanni, il tema viene ancora più messo in evidenza: nel celebre Prologo Cristo è ripetutamente indicato comeluce (1, 4-9); e ancora: 3,19, “la luce è venuta nel mondo”; 8,12 e 9,5: Cristo come “luce del mondo”; 12,35-36 e 46: “ancora per poco tempo la luce è con voi (…). Mentre avete la lucecredete nella luce, per diventare figli della luce (…). Io come luce sono venuto nel mondo”; I lett.,2,8: “(…) poiché le tenebre stanno diradandosi e la vera luce già risplende”.

La stessa iconografia cristiana adottò fin dalle origini alcuni dei tratti del culto del dio-sole Helios/Sol Invictus, come è evidente nei primi esempi di raffigurazione di Cristo con gli attributi solari, come la corona radiata con dodici raggi (raffiguranti gli apostoli; il numero dodici peraltro ha una profonda valenza simbolica in tutte le tradizioni) e, in alcuni casi, il carro solare: l’esempio più noto è quello della rappresentazione in un mosaico del III secolo nelle grotte Vaticane, sotto la basilica di San Pietro, sul pavimento della tomba di papa Giulio I. L’epiteto di “Sol Iustitiae”, di derivazione biblica, come visto, si diffuse ulteriormente nei primi secoli dopo Cristo per indicare il Redentore.

Cristo Pantocrator, mosaico, Duomo di Monreale

Una seconda metafora solare in seno al Cristianesimo traeva origine dalla concetto stesso di Resurrezione, che veniva facilmente accostata al sole che risorge ogni mattina dalla “morte” notturna. In accordo con questa analogia i primi cristiani pregavano in direzione del sole nascente, e pertanto nei primi anni della fede cristiana è probabile che i cristiani pregassero in direzione del tempio di Gerusalemme (con allusione alla Resurrezione ed al definitivo ritorno del Cristo con la Parusia). Successivamente, dopo la distruzione del tempio, i cristiani posero sulla parete orientale dei propri luoghi sacri una croce e pregarono in quella direzione. Per molti secoli le chiese furono costruite con l’abside (su cui era rappresentata la croce e successivamente l’immagine del Cristo pantocrator, ed in cui comunque era d’uso realizzare vetrate con riferimenti visivi al sole o alla redenzione) orientata ad est (da cui il termine “orientazione”), punto dove il sole sorge, invitto dopo la lotta contro le tenebre, e sale lungo la volta celeste (13).

A livello simbolico l’uso delle raffigurazioni solari in ambito cristiano fu altrettanto sistematico: già Costantino (perlomeno secondo le indicazioni di scrittori cristiani quali Eusebio, Lattanzio ed altri) adottò e diffuse, ponendolo entro un cerchio, forse una corona d’alloro in segno di vittoria o forse un simbolo solare, il Chi Rho o monogramma di Cristo, che ebbe origine nella parte orientale dell’Impero romano, rappresentato dalle lettere X e P dell’alfabeto greco (iniziali di ‘Χριστός’) sovrapposte.

Il trigramma di Bernardino da Siena “JHS” o “IHS”, formato dalle prime tre lettere del nome greco di Gesù (ΙΗΣΟΥΣ), poi interpretato come un acrostico latino ed utilizzato come monogramma, fu successivamente arricchito di altri particolari grafici, ed in particolare fu sormontato da una croce e posto all’interno di una razza fiammante (è il simbolo adottato dai Gesuiti): è frequentissimo trovare nelle chiese e nelle basiliche questo monogramma inserito in dischi solari fiammeggianti, ora scolpiti nel legno o nel marmo, ora dipinti, ora in rilievo. Uno degli esempi più significativi è quello del gigantesco monogramma solare sorretto da due angeli che sovrasta l’altare maggiore della Chiesa del Gesù a Roma (nel cui timpano campeggia un ulteriore sole fiammeggiante), di cui peraltro, nella sacrestia, si può ammirare anche una splendida versione in stucco dorato su fondo azzurro.

Storicamente anche il passaggio degli ostensori da teca (cd. ostensori architettonici) a quelli con la forma di un disco solare fiammeggiante è piuttosto indicativo.

Più in generale, al di là delle migliaia di affreschi e pitture raffiguranti elementi luminosi e solari, la raggiera fiammeggiante è usata con grandissima frequenza nelle Chiese, internamente o esternamente. Ad esempio, nella parte esterna dell’abside del Duomo di Milano vi è la raffigurazione della Trinità, in cui il Cristo è rappresentato come un sole fiammeggiante in pietra; nella vetrata dell’abside di San Pietro, il trono ligneo noto come Cathedra Petri è sormontato da un finestrone dal fondo dorato in alabastro, raffigurante una colomba, simbolodello Spirito Santo, emanante raggi luminosi, circondata da una raggiera solare di stucchi dorati contornata da angeli: il capolavoro del Bernini produce straordinari effetti luminosi soprattutto quando il sole, nel pomeriggio, scende dietro l’abside.

La stessa Croce celtica a sua volta, com’è noto, è nata probabilmente quando, a seguito dell’evangelizzazione dell’Irlanda con la predicazione di San Patrizio, il simbolo cristico fu innestato sulla ruota solare di origine pre-cristiana (che di per sé, comunque, comprendeva già una croce inscritta).

In conclusione, è evidente quanto sia importante avere una visione d’insieme che consenta di individuare gli archetipi e gli elementi comuni che riconducono tutte le Tradizioni regolari alla comune matrice, piuttosto che perdersi in polemiche, demonizzazioni e critiche reciproche che, in ultima analisi, non fanno altro che rinforzare il già potente e multiforme fronte della contro-tradizione, il vero trionfatore di quest’epoca oscura, che dalla divisione e dalla frammentazione delle Forze Tradizionali non può che trarre sempre nuova linfa vitale.